18 des artistes de bande dessinée de DC, Marvel et indépendants sonnent au cours des 20 dernières années

Un artiste ou un éditeur de bandes dessinées peut faire une pause lorsqu'on lui demande de définir les 20 dernières années de la bande dessinée. Je sais, parce que j'en ai posé la question: à l'approche de la troisième décennie de l'ère moderne, Polygon a choisi le cerveau d'autant de vétérans de l'industrie de la bande dessinée que possible, essayant de comprendre comment l'histoire moderne a façonné la bande dessinée et comment la bande dessinée a façonné la modernité. culture pop.

Les scribes de Wonder Woman, Steve Orlando et Gail Simone, ont parlé de la vague de diversité des années 2010, tandis que Lee, DiDio et leur homologue Marvel Tom Brevoort ont longtemps réfléchi au mouvement des super-héros vers les poteaux de la culture pop. Les caricaturistes Scott McCloud et Gene Luen Yang ont hoché la tête à la montée du roman graphique YA, tandis que les gourous des super-héros Scott Snyder et Geoff Johns ont dévoilé la renaissance du super-héros pur.

Sans oublier Al Ewing, Amanda Conner, Brian Michael Bendis, C.B.Cebulski, Colleen Doran, Bryan Hill, Jim Starlin, Kieron Gillen et Liam Sharp, tous pesant sur leur point de vue.

Al Ewing, Joe Bennett / Marvel Comics

Al Ewing

Écrivain de Immortal Hulk, Ultimates, Loki: Agent d'Asgard.

Les années 2000 ressemblaient à la «Décennie d'Hollywood». «Widescreen» et «cinematic» sont devenus la nouvelle norme en termes de style, et le contenu est devenu un étrange mélange d'adultes et d'enfants, une tentative de se mettre au diapason des nouveaux politiciens tout en essayant de rivaliser maladroitement avec les Internet comme source de porno fétiche. Tant de choses se sentaient «prêtes pour le film», mettant inconsciemment les intrigues et les conceptions de costumes et le casting en place avant un monde où les films étaient enfin prêts à réduire la distance et à devenir des bandes dessinées, avec des univers partagés, des croisements et à l'échelle de la ligne événements. Mais en même temps, il n'y avait pas de pénurie de diamants parmi les fusées éclairantes – certains des grands maîtres du domaine faisant le meilleur travail en carrière, aux côtés des premiers coups de feu à travers l'arc de ceux qui gravissaient la colline, prêts à prendre leur placer au soleil.

[The ’10s marked a] retourner à la psychédélie et à l'amour, opposés au dernier halètement impuissant des Olde Ways, avec la redoutable lutte des médias sociaux des deux côtés comme Two-Face, toujours prêt à s'allier si le tirage au sort est bon, mais à ne jamais confondre avec le héros. L'histoire des dizaines est une histoire de jeunes de tous âges, tous malades du solipsisme branlant des garçons-mag, qui ont tous envie de jeter l'épaule au volant et de raconter des histoires qui leur parlent, pour eux et pour les gens qu'ils connaissent. Et – lentement, contre certaines résistances particulièrement grinçantes et toiles d'araignées – on a l'impression que la roue a tourné, au moins un peu. Non pas qu'il n'y ait pas encore beaucoup à faire – la spéculation grignote une fois de plus de manière séduisante les poutres porteuses de l'industrie, et la guerre de la culture qui dure depuis que je suis en vie fait toujours rage, avec des enjeux toujours plus importants – mais au moins en ce qui concerne ce genre de ce médium dans cette toute petite partie du monde, j'espère que les choses s'améliorent. Si les années 00 impliquaient les premières introductions aux personnes qui ont façonné les super-héros dans les années 10 … eh bien, nous recevons maintenant d'excellentes présentations.

Amanda Conner

Artiste et / ou écrivain de Avant Watchmen: Silk Specter, Harley Quinn, Power Girl.

Je ne peux parler que pour moi, car je travaille sur Harley depuis 2013. Et en 2009 et 2010, nous avions travaillé sur Power Girl, et je me sens [that] cette décennie, beaucoup de super-héros féminins sont venus au premier plan. Ce fut une décennie très, très girl power pour les bandes dessinées. De plus, et cela se passe comme cela depuis 20 ans, c'est quand j'ai commencé à travailler dans la bande dessinée – et même quand je lisais des bandes dessinées quand j'étais petit – il n'y avait vraiment pas beaucoup de filles qui lisaient des bandes dessinées.

Vous alliez à une convention à la fin des années 80 et au début des années 90 et les seules filles que vous avez vues lors de conventions de bandes dessinées étaient généralement des «burros». Ils étaient des mules pour n'importe quel gars qui était le collectionneur de bandes dessinées – et c'était leur maman ou leur petite amie ou leur sœur ou leur cousin, Hé, viens à ce con avec moi, j'ai besoin que tu transportes toutes ces conneries pour moi pendant que je l'obtiens signé. Et de temps en temps, il y avait une vraie lectrice de bande dessinée. Maintenant, les filles lisent des bandes dessinées à travers la table et c'est super. C'est vraiment bien. Il y a plus de créatrices, plus de lectrices. J'ai l'impression que cette décennie a été une décennie de pouvoir très féminin, ce qui est formidable.

Kaare Andrews / Marvel Comics

Brian Michael Bendis

Écrivain de Homme araignée, Les Vengeurs, Superman, Alias, Pouvoirs.

Les années 00: la vérité. Je sais que beaucoup de gens diront la diversité, dans la voix, l'expérience et la perspective, et c'est vrai et je suis tellement heureux d'en avoir une partie. Mais cela est venu sous la forme de chacun apportant sa vérité personnelle à son travail. Beaucoup de gens disent: Vous savez ce que je ne vois PAS reflété dans mes bandes dessinées… et je fais juste CELA! Donc, vous aviez des perspectives et des expériences que nous n'avons jamais vues reflétées dans la littérature populaire des super-héros avant de venir parfois nous voir simultanément.

Les années 10: construction mondiale. Presque tout le monde que je connais est en train de publier activement ou est sur le point de sortir un tout nouveau monde ou univers différent de celui dans lequel nous vivons actuellement. Évidemment, un reflet de notre époque en ce que vous voulez vivre ailleurs ou dans un meilleur endroit ou dans un endroit différent.

De plus, vous pouvez sentir que certains de nos spectateurs sont plus traumatisés et stressés par le monde réel qu'ils ne l'ont jamais été auparavant et ils viennent parfois nous voir pour une évasion totale. Je peux le ressentir avec mes lecteurs Superman. Emmenez-moi dans un monde où les gentils gagnent. J'y pense… beaucoup.

Je vois aussi beaucoup de créateurs de presque tous les horizons se pousser pour voir jusqu'où ils peuvent pousser le médium. C’est un très bon signe pour les choses à venir.

Bryan Hill

Écrivain de Carnage américain, Killmonger, Les étrangers.

Je pense que les années 00 dans les bandes dessinées sont largement définies, comme beaucoup de médias, en vivant dans un monde post-11 septembre. Comment racontez-vous des histoires de super-héros lorsque le monde réel semble être absent de ceux dont nous avons besoin? Je pense que la fiction devait rattraper cela. Dans les années 90, nous étions très en sécurité. Nous étions dans cette économie clintonienne où – nous étions si en sécurité que vous pourriez faire un film avec Ed Norton sur la façon dont Ikea était le plus gros problème de votre vie. C'était sûr. Je fais du shopping à Ikea, donc j'ai besoin d'être frappé, vous pouvez faire ce film.

Nicola Scott / DC Comics

Je pense que lorsque vous regardez les années 2000, vous voyez une grande partie de la déconstruction de l'archétype. Je ne pense pas que ce soit une erreur [the Borne films were] une influence culturelle majeure, car il s'agissait d'une déconstruction du sentiment de sécurité que le gouvernement peut apporter à l'action militaire. Et je pense qu'avec les bandes dessinées, les bandes dessinées ont pris un temps pour pleurer. Le reste du monde était en deuil et la bande dessinée était un peu la même chose. Mais je pense que c'est né de ça [was a] besoin de réexaminer et de déconstruire notre relation avec ces archétypes et d'examiner vraiment ce que signifie l'héroïsme. Je pense que nous avons vu une augmentation de la profondeur émotionnelle en ce qui concerne ces récits. Les victoires émotionnelles sont devenues aussi importantes que les victoires de l'intrigue dans les années 2000.

Je pense que c'est une des choses que vous verrez – et dans la lutte pour créer Superman. De quoi le monde a-t-il besoin de Superman? Comment pouvons-nous l'aimer? Comment pouvons-nous lui faire confiance? Quelle est sa signification pour nous? Vous avez également vu certaines de ces choses. Je l'ai certainement vu du côté Marvel. Avec la façon dont les X-Men étaient articulés et comment cela fonctionne, Spider-Man, et tout ça. Cela ressemblait à un recalibrage émotionnel à bien des égards. Et la mythologie est comme ça; alors que nous traversons des événements du monde réel et la mythologie dont nous avons besoin change un peu. Ils passent par des périodes de réforme. Je pense que les années 00 ont été comme une période de réforme dans la bande dessinée. Et beaucoup d’entre elles étaient transitoires, en transition vers cet équilibre de fantaisie et de vraisemblance – et c’est là que nous vivons actuellement, et je pense que c’est en grande partie une bonne chose.

Je pense que le début des années 2000 consistait à se réconcilier avec la perte, et nous avions besoin de fiction pour la reconnaître avec nous. Vous commencez à penser à Ultimates et à tout ça. Nous avions besoin de la fiction pour cela. Presque comme si nous avions besoin des héros pour admettre qu'ils pouvaient échouer et pour voir ces échecs, afin que nous puissions leur faire à nouveau confiance. Mais maintenant, je pense que nous nous tournons davantage vers l'aspiration. Et je pense que nous sommes, honnêtement, très similaires à ce qu’était la culture à la fin des années 70. Je ne pense pas que ce soit un accident que Star Wars soit de retour dans la sphère publique, parce que Star Wars était en grande partie la façon dont nous avons allégé le poids de la guerre du Vietnam. Et si vous regardez cela, nous avons eu le Vietnam, nous avons eu beaucoup de récits qui parlaient de tous les caprices et les victoires pyrrhiques et la complexité morale et les échecs [of the Vietnam War], plongeant vraiment dans cela. Et puis de cela a germé un récit forgé avec une éthique de base, et une croyance en la bonté et une reconnaissance du mal. C’est là que je pense que nous allons, je pense que c’est là que nous nous dirigeons. Évidemment, c'est toujours tempéré par les nuances, mais, oui. Je pense que nous commençons à entrer dans cet endroit où nous sommes prêts à croire qu'un homme peut voler à nouveau. Je pense que nous voulons regarder ce bâtiment et voir Batman debout au coin de celui-ci, et nous savons qu'il est là pour nous protéger.

C.B. Cebulski

Rédacteur en chef de Marvel Comics.

Pour moi, les bandes dessinées sont toujours résumées par le talent qui les fait, et c'était un accent accru sur le talent qui définissait ces deux décennies de bandes dessinées de différentes manières. Dans les années 2000, pour Marvel, notre groupe de gestion des talents a été formé pour rationaliser le recrutement et le placement des écrivains et des artistes; donner à nos talents les options et les outils dont ils ont besoin pour les aider à construire leur carrière créative, à la fois pour Marvel et leurs livres appartenant aux créateurs; aider à faire avancer nos histoires et notre art avec les meilleurs créateurs sur les personnages qu'ils voulaient écrire et dessiner; et être une ressource personnelle et professionnelle pour les créateurs pour répondre à toutes les questions qu'ils peuvent avoir pour les aider à fournir le meilleur travail possible. Il s'agissait d'un changement radical par rapport au système précédent de chaque rédaction, contrôlant et gérant leurs propres écrivains et artistes, et offrant plus de possibilités pour l'exploration créative tout en construisant un univers Marvel plus cohérent. Depuis, d'autres sociétés ont examiné nos efforts et ont commencé à gérer leurs talents de manière similaire.

Dans les années 10, ce fut un moment incroyable pour découvrir de nouveaux talents; Jamais auparavant nous n'avons vu autant de nouveaux créateurs «prêts pour les heures de grande écoute» écrire et / ou dessiner des bandes dessinées, indépendantes et grand public, du monde entier, ajoutant une diversité de nouvelles voix à la narration dans les médias imprimés et numériques. Et il n'y a pas de ralentissement … les bandes dessinées deviendront de plus en plus excitantes, divertissantes et enrichissantes à mesure que les talents de tous les horizons du monde commenceront et continueront à raconter leurs histoires.

Colleen Doran

Écrivain et / ou artiste de Marchand de sable, Un sol éloigné, Wonder Woman.

[In the 2010s, girls became] une grande partie de la bande dessinée américaine. Je suis dans la bande dessinée depuis, enfin, plus longtemps que je ne veux l'admettre, et cela n'a jamais été une chose de ma vie. Il y avait quelques femmes dans les bandes dessinées, mais c'était vraiment une installation de reine des abeilles, et ce n'était pas nécessairement très accueillant. Maintenant, les femmes et les filles dans la bande dessinée ne deviennent pas seulement la norme, mais une force créative et financière majeure. Sans le financement, sans la puissance économique, ça allait toujours être des arrêts et des démarrages. Mais les femmes créatrices constituent désormais un segment financier majeur du marché et possèdent certains des livres les plus vendus à la fois sur le marché direct et dans le commerce de détail.

Je ne me sentais pas le bienvenu ni même normal dans les bandes dessinées avant ces dernières années.

Gail Simone

Écrivain de Oiseaux de proie, Fille chauve-souris, Wonder Woman, Dead Pool.

je pense [the ’10s are] l'époque où nous avons en quelque sorte rendu la bande dessinée grand public à TOUS. Il fut un temps où les bandes dessinées pour filles se vendaient en grand nombre, où les bandes dessinées pour enfants rivalisaient directement avec Batman et gagnaient souvent. Quelque part le long de la ligne, nous nous sommes concentrés BEAUCOUP sur la base de clientèle de super-héros (sans parler de bandes dessinées indépendantes, ici), que nous avons en quelque sorte abandonné ces autres publics. Dans d'autres pays, ce n'était pas le cas.

Donc, oui, ça a été quelques décennies de super bandes dessinées de super-héros, mais aussi, la montée de gens comme Kelly Sue DeConnick et Marjorie Liu et G. Willow Wilson et ça montre que l'imprimé a du mal partout, mais la plupart des titres révolutionnaires ont été très accueillant pour les débutants. Ce que j'aime. J'ai consacré une grande partie de ma vie à la bande dessinée, je veux qu'elle soit ouverte à tout le monde.

Image: Rain Beredo / DC Comics

Gene Luen Yang

Écrivain et / ou artiste de Américain né chinois, Superman, Avatar: le dernier maître de l'air.

À partir des années 2000, les films ont compris comment raconter des histoires de super-héros ainsi que (ou peut-être même mieux que?) Des bandes dessinées. Les personnages auparavant obscurs sont désormais courants. J'ai commencé à lire des bandes dessinées dans les années 80, et je ne peux pas vous dire à quel point c'est bizarre de voir un enfant de 10 ans portant un t-shirt Rocket Racoon à l'école de mes enfants. À l'époque, il fallait être un nerd hardcore pour savoir qui était Rocket Racoon.

Je n'avais pas lu une tonne de bandes dessinées de super-héros dans les années 2000, mais j'avais l'impression que certains essayaient d'imiter les films de super-héros. C’est une proposition perdante, à mon avis. Les films et les bandes dessinées sont deux médias différents.

Les années 10 ont été une énorme décennie pour la bande dessinée en tant que médium. Les romans graphiques pour jeunes ont explosé, en partie grâce à des créateurs comme Raina Telgemeier, Vera Brosgol et Kazu Kibuishi. Quand j'étais jeune, peut-être une poignée d'enfants dans chaque classe lisaient des bandes dessinées. Aujourd'hui, il est difficile de trouver un enfant de moins de 13 ans qui n'a pas lu le sourire de Raina Telgemeier. Tout le monde lit des romans graphiques.

J'ai une théorie à propos de ceci. La raison (ou au moins l'une des raisons) pour laquelle ces romans graphiques sont devenus si populaires est qu'ils exploitent l'intimité du médium de la bande dessinée. Lire un roman graphique magistralement conçu comme Be Prepared de Vera Brosgol, c'est un peu comme jeter un œil au journal intime de quelqu'un. Toutes les lignes sont tracées à la main, tu sais? C’est très, très personnel.

Et cette connexion personnelle est difficile à reproduire avec CG sur grand écran. (Pas impossible, bien sûr, mais difficile.) C'est une force qui est unique aux bandes dessinées.

Qu'est-ce que cela signifie pour les bandes dessinées de super-héros? Afin d'attirer un public plus jeune, les bandes dessinées de super-héros doivent trouver comment raconter ce genre d'histoires personnelles. Nous commencions à voir cela à la fin des années 10. DC Comics vient de commencer à publier des romans graphiques pour adultes et jeunes adultes vraiment excitants. Mariko Tamaki et Harley Quinn: Breaking Glass de Steve Pugh sont l'une de mes préférées. Kami Garcia et Raven de Gabriel Picolo le tuent absolument. (Certes, je suis très, très biaisé parce que je travaille pour cette ligne.)

Je ne pense pas que ces romans graphiques remplaceront les bandes dessinées mensuelles de super-héros, mais ils sont extrêmement importants pour la construction de la prochaine génération de fans de bandes dessinées de super-héros – l'accent étant mis sur la "bande dessinée".

Geoff Johns, Gary Frank / DC Comics

Geoff Johns

Écrivain de La lanterne Verte, Horloge Doomsday, Shazam!, Les Vengeurs.

C'est dur. Je me suis lancé dans le monde des affaires – ma carrière a vraiment été dans les années 2000 et cette décennie. Il m'est donc difficile d'avoir une vision macro claire de la définition des époques.

Je me souviens spécifiquement pour moi dans les années 2000, j'étais vraiment excité par beaucoup de nouvelles voix à venir, comme Brian Bendis et Greg Rucka. [After the ] Des années 90 où il était vraiment super flashy, super-héros super-colorés et colorés, [the ’00s] était un peu un fondement de cela avec une partie de ce travail. Le travail que j'ai fait dans les années 2000 était – je l'appelle – c'est comme néoclassique, non? La JSA, Wally West / The Flash, j’ai commencé Green Lantern au milieu des années 2000. J'ai vraiment aimé revenir aux principes de base du concept, tout en les poussant vers l'avant.

Comme la JSA, j'ai toujours aimé l'idée que la Justice Society ait ses racines dans les années 40 dans une première ère, mais progresse et évolue vraiment et ait un héritage – parce que c'est une partie si énorme de DC Comics – et l'explore, mais en gardant le histoire riche. J'ai toujours aimé la riche histoire de l'Univers DC, j'ai donc toujours voulu la conserver. Je n'ai jamais voulu tout redémarrer et recommencer. Dans les années 2000, je m'en souviens vraiment.

Mais je me souviens juste de créateurs que j'aimais vraiment à cette époque. Et ceux qui se sont démarqués, où les voix étaient si nouvelles et fraîches, étaient Bendis et Rucka. C'étaient deux de mes préférés. Et évidemment, j'adore Grant Morrison, il était dans les années 90 aussi. Mais je regarde cette époque – et cette revitalisation de Marvel, quand [Joe] Quesada est entré et ils ont fait Marvel Knights pendant un certain temps et la ligne Ultimate a commencé et il y avait beaucoup de livres intéressants. Je ne sais juste pas comment vous pourriez résumer cela en quelques phrases. Je ne sais pas ce que c'est.

Jim Lee et Dan DiDio

Lee est l'artiste de Uncanny X-Men, Batman: Chut, Ligue de justice et co-éditeur de DC Comics; DiDio est l'auteur de Metal Men, De côté et co-éditeur de DC Comics. La première interview réalisée pour cette pièce, elle a eu lieu beaucoup plus tôt que les autres, au San Diego Comic-Con 2018.

DiDio: La partie bizarre en ce moment, il y a le même niveau de [generation] lacune dans la discussion qu'il y avait à la fin des années 60 et 70, et je pense que nous commençons à y entrer. Et si nous sommes intelligents, nous trouverons un medium d'exploiter cela et de pouvoir vraiment l'explorer d'une manière qui augmentera l'histoire.

Ma crainte en ce moment est que le monde est si nostalgique. Tout est basé sur la nostalgie et, par conséquent, nous nourrissons presque notre queue en ce moment, dans le sens où la nostalgie est ce qui anime la conversation plus que de regarder vers l’avenir. Il est donc important pour nous de nous libérer de cette sensation de nostalgie et de commencer à vraiment tracer un chemin pour aller de l'avant.

Image: Sony Pictures

Jim Lee: Quand Spider-Man est-il sorti? C'était en 2002, je pense? Tome, [the ’00s were] l'essor de la culture pop de super-héros. Ce sont les bandes dessinées qui ne sont plus le matériau source de ce média et les personnages eux-mêmes qui prennent le dessus sur la culture pop. Je pense qu'avec les années 10, c'est la montée des médias sociaux et de cette façon qui a eu un impact sur la façon dont les créateurs de bandes dessinées créent leurs histoires, interagissent avec leurs fans; l'influence du populisme et la voix d'Internet.

Quand je pense aux années 00 et à Spider-Man, aux films X-Men et à toutes ces choses, à la montée de l'univers cinématographique Marvel, à l'attente de ce que sont les super-héros, tout le monde embrasse les personnages mais pas nécessairement … la montée des super-héros devenant une pierre angulaire de la culture pop. Je sais que ce n'est pas nécessairement la bande dessinée, mais je pense que cela joue dans l'histoire de "Nous n'avons pas augmenté lorsque le niveau de l'eau a augmenté." Droite?

Je pense que depuis lors, les éditeurs se sont mis au défi [the question of] "Comment attrapons-nous cette vague?" Comment pouvons-nous sortir du côté des périodiques et capturer autant de la passion et de l'intérêt manifestes pour ces personnages. Et beaucoup de choses que nous faisons, YA [books], les [DC Universe] service d'abonnement, Black Label fait partie de cette stratégie.

Dan DiDio: [In reference to the “I Read Banned Comics” sticker on my notebook] Nous parlions de «J'ai lu des bandes dessinées interdites», vous devez vous rappeler que dans les années 50, toutes les bandes dessinées allaient être interdites. Il ne s'agissait pas d'un personnage ou d'une histoire en particulier, c'était d'un médium qu'ils essayaient de fermer. C'est donc une question intrigante car, finalement, nous étions la contre-culture et maintenant nous sommes la culture pop. C’est un changement étrange pour nous, car pour maintenir notre identité, nous devons encore pousser contre la norme d’une manière ou d’une autre. C'est, je pense, à certains égards, nécessaire.

Jim Lee: Je me souviens qu'en 2005, Dan était le rédacteur en chef de DC et il me poussait et Frank [Miller] pour faire sortir All-Star Batman et Robin pour le chronométrer avec Batman Begins. Ce fut un combat parce que j'étais un peu épuisé de n'avoir fait que 12 numéros de For Tomorrow. Mais encore une fois, c'était cette notion de "Que pouvons-nous faire de notre côté pour nous rattacher à cet amour et cette obsession grandissants pour les films de super-héros?" C'est donc ce qui encadre mon récit pour cette décennie.

Dan DiDio: La raison pour laquelle j'ai fait ça, nous avons dû éteindre quelque chose et j'ai eu la même importance que le film. Je ne voulais pas que le film conduise Batman. Et la seule façon de mettre quelque chose qui serait comparable à cela était de mettre Frank Miller et Jim Lee ensemble. Ainsi, nous restons pertinents.

George Pérez / Marvel Comics

Jim Starlin

Écrivain et artiste de The Infinity Gauntlet, Homme chauve-souris, Capitaine Marvel.

C’est en fait une chose à laquelle j’ai réfléchi. Je pense que le marché va être un facteur important pour déterminer où va l'avenir de la bande dessinée. Je pense que vous allez voir les brochures disparaître lentement; les petits livres de 22 ou 20 pages. Il n’existe plus de système rentable. La plupart de ces livres perdent de l'argent.

Je pense qu'ils vont aussi être beaucoup – et ils ont déjà commencé à devenir – R et D pour l'industrie du cinéma ou de la télévision. Je pense que plus de gens réfléchissent déjà à la façon dont ils peuvent faire une histoire qui peut être adaptée dans une série télévisée ou un film, quoi de plus.

Je pense que nous allons voir des choses autres que les super-héros commencer à germer. Peut-être dans l'horreur, la science-fiction, ce que vous avez, qui ne sont pas aussi répandues actuellement sur le marché qu'elles ne l'ont été à d'autres moments et le seront peut-être à l'avenir. Tout pourrait changer.

Nous avons traversé tant de changements radicaux depuis mes débuts dans les années 70. Les jeux vidéo ont emporté une énorme quantité de personnes qui lisaient des bandes dessinées; les films et la télévision ont emporté et amené de nouvelles personnes. Les collections se vendent bien mieux que les livres ordinaires à numéro unique. Ça va changer, mais je ne suis pas Nostradamus donc je ne vais pas pouvoir vous donner une prédiction précise sur celui-ci. C’est juste ma chance.

Les bandes dessinées numériques, que je n'ai pas abordées, deviennent un facteur majeur sur le marché. Je ne sais pas quel pourcentage ils représentent de ce que font les entreprises, mais je sais que cela ne cesse de croître. Je pense que cela se produit également avec plus d'indépendants. Avec les livres omnibus que nous publions, il y a toujours une option pour obtenir les livres numériques plutôt que la copie papier. Nous allons juste devoir nous adapter au fur et à mesure ou nous nous effacerons comme les dinosaures.

Toutes les quelques décennies, il y a un afflux de nouvelles personnes qui entrent. Pendant les années 70, nous avons radicalement changé la bande dessinée, les gens entraient et remplaçaient tous ces dessinateurs et écrivains qui étaient le pilier de l'industrie depuis les années 30 et 40. Ma génération est remplacée maintenant par une nouvelle génération, il y aura toujours quelque chose d'innovant à venir tant que les créatifs continueront d'être embauchés, c'est le gros truc. Amener les bonnes personnes à faire le bon travail. Ce ne sont pas tant les personnages que les gens qui racontent les histoires des personnages.

Image: DC Comics

Kieron Gillen

Écrivain de Young Avengers, Le méchant + le divin, Star Wars: Dark Vador.

[What defined the ’00s?] Deux mots: l'Autorité. En amont de la décennie, il a défini les tendances visuelles («écran large», présentation objective de l'action, prise de vue lointaine), le ton émotionnel (beaucoup de snarkers) et l'organisation de ses héros. Pour la dernière, je pense à l'époque comme l'âge paramilitaire de la bande dessinée de super-héros. L'Autorité était une cellule militaire d'anarchistes, mais lorsque ses mouvements ont été reportés aux Ultimes, vous avez de plus en plus connu une période où les super-héros étaient principalement des fonctionnaires. Tout le monde s'est retrouvé dans les Avengers, ce qui signifie que tout le monde finit par travailler pour le gouvernement. Comme une tendance à travers la décennie, les tropes standard comme les identités secrètes ont été minimisés en faveur du déplacement du centre d'interaction pour être le lieu de travail – les scènes du petit-déjeuner des Bendisian Avengers ne sont pas comme celles des X-men des années 1980 – ce sont des pompiers qui mangent à la caserne des pompiers . Tout cela se mélangeait bien avec l’autre tendance déterminante majeure de la bande dessinée des années 2000 – à savoir le retour du multisegment, plus grand que jamais. Entre ces deux aspects, vous avez créé la toile de fond intellectuelle de l'univers cinématographique Marvel.

Si vous séparez les éléments encore en cours des années 00 ci-dessus, les éléments les plus déterminants des années 10 sont la diversité croissante des livres. Je ne parle pas seulement du casting ou (au cours de la décennie) des créateurs, mais en termes d'histoires que vous pourriez raconter. Il y a beaucoup de ce que je décrirai comme des livres originaux, qui ont tendance à trouver leur public dans les métiers plutôt que sur le marché traditionnel. Hawkeye et Squirrel Girl sont deux qui me viennent à l'esprit, mais le côté ludique de Mme Marvel est simultanément nouveau tout en étant une pure déclaration d'éléments qui étaient définitifs pour les premiers livres de super-héros Marvel.

Plus la marche triomphale du cosplay et d'autres formes d'engagement des fans. Tout cela est lié et interconnecté, mais à quoi ressemble un con dans les années 10 est une bête différente de ce à quoi il ressemblait dans les années 00.

Image: Liam Sharp / DC Comics

Liam Sharp

Artiste de Judge Dredd, L'incroyable Hulk, Wonder Woman, La lanterne Verte.

J'ai vraiment eu du mal dans les années 2000 à comprendre où je pourrais être pertinent. Tant de choses avaient changé et il semblait que l’industrie elle-même se remettait encore du traumatisme des années 90 et de son énorme effondrement. Il y avait certainement beaucoup de vues sombres autour! Cela dit, cela a entraîné une augmentation des livres axés sur les créateurs et même des sociétés d'édition. Mam Tor, la société que j'ai co-fondée, a ouvert le champ à une multitude de titres d'anthologie avec les volumes Event Horizon 1 et 2. L'image a fleuri et s'est diversifiée. Les bandes dessinées basées sur les jeux informatiques étaient les meilleures ventes – et encore une fois, j'ai pu en faire partie avec Gears of War, qui était le titre le plus vendu en 2008 avec des unités de 400K. Quant aux bandes dessinées de super-héros? Il me semblait qu'ils avaient perdu un peu de nerf, devenant un peu plus pré-années 80, avec toute cette déconstruction, et un peu plus sûrs, moins audacieux sur le plan créatif, alors qu'en même temps la valeur des productions augmentait – avec les coûts. À certains égards, les bandes dessinées de super-héros semblaient revenir à une approche plus traditionnelle, je pense, bien qu'il y ait également eu une augmentation de la narration longue – des histoires qui occupaient autrefois un seul numéro se déroulaient maintenant sur une année entière. Nous avons également vu des chefs-d'œuvre, comme The Ultimates. Et le passage de la page à l'écran est également devenu majeur. Le pitch de film comme mini-série comique a été absolument perfectionné par certains créateurs à cette époque!

Les années 10 ont vu la montée de la bande dessinée numérique – encore une chose à laquelle j'ai contribué lorsque j'ai cofondé la société de création de récits numériques progressifs Madefire. La comixologie a absolument changé la façon dont nous consommons les bandes dessinées. Mais pour moi, c'était ma chance de finalement revenir aux bandes dessinées de super-héros que j'aimais quand j'ai commencé à travailler sur Wonder Woman: Rebirth avec Greg Rucka. C'était aussi la décennie où le fandom comique est devenu toxique sur Twitter, créant de nouvelles tribus et de nouveaux camps. Certains ont estimé qu'il était devenu trop progressiste et ont crié pour des bandes dessinées qui ressemblaient précisément à l'époque où ils aimaient le plus grandir – généralement les excès explosifs des années 90 ». Mais beaucoup d'autres ont apprécié la diversité croissante, l'augmentation du nombre de créatrices, et le moment où Wonder Woman et Captain Marvel est devenu sans doute plus pertinent qu'ils ne l'ont jamais été. Les écrivains ont continué à dominer le médium en termes de reconnaissance de nom pour la deuxième décennie consécutive, et la narration audacieuse a été assiégée si elle était perçue comme s'éloignant trop des rythmes et des règles canoniques et sacro-saints du passé. Les couples comiques faisaient désormais partie des guerres maritimes. Batman a cessé d'être un playboy – de tels modes non reconstruits sont désormais dépassés et décalés avec une vision du monde de plus en plus progressive. Pour certains, les bandes dessinées grandissaient, pour d'autres, elles se réveillaient trop et étaient politiquement correctes. Les créateurs ont commencé à reconsidérer leurs visions créatives, tandis que les fans ont commencé à penser que cela pourrait conduire en arrière toute l'industrie via le support de Twitter.

J'espère que Twitter cessera d'avoir un impact si négatif à l'avenir. Les créateurs doivent prendre des risques et parfois briser le cœur. Aucun créateur ne doit être poursuivi ou menacé d’oser défier la norme – c’est ce que l’art est censé faire! Cela ne signifie pas que cela ne peut pas non plus être une histoire incroyable! Je veux que mon art soit à la pointe, bouleversant et même furieux. Je ne veux pas d'une journée marmotte de tropes et de cycles sans cesse répétés. Nous devons grandir. Nous devons changer.

Scott McCloud

Écrivain et artiste de Comprendre la bande dessinée, Réinventer la bande dessinée, Faire des bandes dessinées.

’00s: Chris Ware. Chris a magnifiquement résumé le siècle qui vient de s'écouler, tout en offrant une thèse prospective sur l'avenir. L'histoire de la bande dessinée est remplie d'amour, de talent artistique et d'excitation, mais elle est également remplie de beaucoup de regrets, d'amertume et de perversité. D'une manière ou d'une autre, Chris a tout capturé. Et ses inventions spectaculaires rappellent le début du siècle précédent – un écho de 100 ans des débuts propices de la bande dessinée américaine dans les chefs-d'œuvre de la page du dimanche de dessinateurs comme Winsor McCay et George Herriman.

’10s: Raina Telgemeier. Raina a transformé l'industrie et la forme d'art pour les années à venir. Elle est le sommet de la révolution de la bande dessinée pour les enfants de niveau intermédiaire, créant des armées de nouveaux lecteurs (alimentant commodément le marché YA!) Et modifiant subtilement les priorités de narration des bandes dessinées américaines – adoptant un rythme émotionnel comme action beaucoup plus satisfaisant pour le grand public. lecteurs que le style ballon de trucs de bande dessinée de super-héros de l'âge d'argent. Des générations entières de dessinateurs et de lecteurs vivront dans la maison que Raina a construite. Le fait que la plupart seront des femmes et des filles est particulièrement excitant et se fait attendre depuis longtemps.

Andy Kubert / DC Comics

Scott Snyder

Écrivain de Homme chauve-souris, Wytches, Ligue de justice, Dark Nights Metal.

Je pense que les plus grandes choses [of the ’10s] pour moi, c'est la vulgarisation de la culture geek. Tout à coup, tout le monde connaît nos héros, à droite et à gauche. Une culture qui était presque insulaire et petite quand j'étais enfant est maintenant la culture dominante. Il y a quelque chose de si profondément inspirant et passionnant dans le potentiel de cela à tous les niveaux.

En ce qui concerne les bandes dessinées elles-mêmes, je pense que le défi déterminant est que les gens ont actuellement le choix subjectif de trouver autant de types de bandes dessinées différents. Image et d'autres sociétés indépendantes ont fait un excellent travail pour mettre en lumière ces incroyables projets appartenant à des créateurs qui sont devenus des émissions de télévision, des films, tout ça, ou tout simplement de superbes bandes dessinées.

Le paysage de la bande dessinée est devenu si dynamique et si diversifié au cours des 10 dernières années que c'est une bénédiction et une malédiction; il y a tellement de grandes choses que les gens doivent trouver ce qu'ils aiment. Et c'est une bonne chose pour les consommateurs et les lecteurs. Et je pense aussi que c'est un défi pour nous, dans la manière dont nous devons nous assurer que nos trucs – si vous faites des bandes dessinées d'entreprise ou des bandes dessinées de super-héros – sont payants et attrayants et disent que cela importe. C'est pertinent.

Ce n'est pas une malédiction, c'est un défi, c'est ce que je voulais dire. C’est presque une bénédiction et un défi. J'ai l'impression que cela nous fait réaliser en tant que créateurs qu'il y a soudainement une telle mer de bonnes choses des quatre coins du monde. The industry has become something, to me, at least, that’s so vibrant and inclusive and varied that you have to make sure that the stuff you’re working on has a reason to exist and appeals to people in ways that are real, and personal, and relevant.

Jim Cheung/DC Comics

To me it just changed. It’s not just DC and Marvel giving you what they think works. The same way it is with television, film, music, everything, consumers have more choices and are used to a kind of subjective agency that I think is really new and revelatory and exciting. We have to adapt in a way that we’re giving them things that are just as diverse and exciting and just as varied and appealing as their tastes.

I’m trying to think of what else I would say about like the kind of giant machinations of things. I’d almost say this, and then I’ll stop about it.

I feel like the ’00s were about reminding people how great our classic characters are on all levels. It was about a reclamation, after the ’80s and ’90s, of deconstructing superheroes — to reconstruct them. Geoff Johns was a huge person in that, Grant Morrison’s a huge person in that, Bendis is a huge person in that. The generation right before me put them back together and said “This is why they’re great, in their corny, wonderful, superhero selves,” and created amazing new characters alongside that, that appealed to whole new audiences.

That kind of reconstructive project almost took us through the early ’00s into the 2010s and with the rise of indie comics in 2010 with The Walking Dead and Image and all of that stuff too, I feel suddenly we were in an environment where it was almost like, OK, everyone loves comics now. Between the movies, indie stuff, superhero comics, everyone loves the characters, everyone loves the adaptations of these things. Now we have to make things, between 2010 and now — It’s been a struggle to figure out how to write things that both appeal to your longtime readers but also bring in new readers and appeal to a sense of individuated readership that says we want something we haven’t seen before. That, to me, means we’re in a really fluid, exciting, transitional moment right now. To me it’s hugely exciting for all those reasons.

Tom Brevoort

Editor, currently Marvel Comics’ senior vice president of publishing.

More than anything else, I’d say [the defining movement of the ’00s] was a deepening of the concept of the “world outside your window” and the willingness of the various creators and companies to tell complex and sophisticated stories about the world we live in and the real world events therein. This all really started in the wake of the 9/11 tragedy, when comics were among the first entertainment media (due to our speed of production) to be able to effectively and emotionally deal with the aftermath of those attacks and the voyance scars that everybody was feeling. From there, as the decade went on, such stories with greater emotional depth became far more commonplace, and the biggest stories also tended to be those that were the most hard-hitting in terms of their story content (even though that content was often expressed through allegory.)

Marvel Studios

At this point, the defining feature of comics in the 2010s is the fact that they sit at the center of the entirety of all of pop culture. Whether it’s at the box office, on broadcast or streaming, at the toy store or the theme park, the characters and stories that originated in comics have permeated the rest of the culture on every level. It wasn’t all that long ago that a superhero film or television series was a rarity, and was often seen as fodder for a very specific niche audience. But now, there are so many different television productions, so many different films based on comic book properties (not all of them superhero related) that it would be virtually impossible for somebody to watch them all. And super hero films have begun to transcend the limitations of genre, becoming regarded by some as true cinematic expressions the equal of any other story told in that medium. Be it Logan, Black Panther, Wonder Woman or Joker, we’ve seen how a broad mainstream audience has come to embrace our world and all of the wonderful things we create. And particularly, the 2010s are the decade of Marvel Studios, who have fielded an unparalleled slate of winning and interconnected features in such a way as to duplicate the experience of a comic book universe for the masses in film. A great achievement.

Steve Orlando

Writer of Midnighter and Apollo, Wonder Woman, Virgil.

To me, the ’00s were a time of transition in superhero comics, kicking off with the release of the X-Men movie, and the industry’s struggle to react accordingly. This was the time that brought us New X-Men, with uniforms in black and yellow to welcome potential new readers from the movie, but also with Morrison and Quitely at the wheel, the book pushed forward the mutant concept in bold and innovative ways — though it was one of the first books to react to a film, it also did it the best out of the gate, summing up what we would come to know is the challenge of working on a comic while the characters appear in other media: we must welcome readers from outside comics, but we also have to be bigger and bolder than film, tv, or video games, we have to offer that much more creativity to show them there are things they can only get in a comic book.

Image: Frank Quitely/Marvel Comics

We’d push forward and fall back on this concept as the decade went on, but the ’00s to me were a time of transformation, where more attention than ever was on superhero characters, but the comics themselves struggled to adapt and find their new identity to meet and reward that attention. In many ways, we’re still working through this now. But the ’00s put more eyes on superheroes than there had been in decades, mainstream eyes, and comics had to go through a period of change, its own secondary mutation, to maintain its place as the home of creativity and innovation. Film and TV raised the bar, and in the ’00s, comics got smarter, bolder, wilder, and more innovative … all to raise the bar in return.

I think the ’10s will be defined by diversifying not just mainstream superheroes, but the formats in which those characters are offered. With mainstream attention has come new voices and new folks who deserve to be served by these iconic heroic narratives, as well as have the chance to step behind the scenes and craft them themselves. This was a natural and good result of superheroes going more mainstream into TV and Film, where more people can find out about them just like folks did back when superheroes were on newstands. The ’10s, then, were also about a transition, but in this case it was the slow work (slower than it needed — or needs — to be at times) of updating our heroes to meet the modern moment. Diversity in creators, diversity in characters, and also in format — more YA and Middle Grade OGNs, more digital access, pushing back into stores outside the direct market. The attention of the ’00s showed us more people than ever love these heroic narratives, they demand, and deserve, to be the star, not the supporting player. In the ’10s, that fight for representation took center stage, and it’s ongoing now. I think we’ll look back on this decade and see the progress we’ve made, but we’ll also look back and see we could’ve made a lot more if we’d been less precious and gotten out of our own way as an industry.

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